miércoles, 15 de octubre de 2014

Corrientes fotográficas III. Realismo social: fotografía documental y fotoperiodismo



  • Fotografía documental
A principios del siglo XX, la fotografía se empleaba como instrumento de investigación y denuncia social. A través de la cámara se reflejaba la realidad que vivía la sociedad de aquellos años.  Así, la fotografía abordaba temas sociales al margen de pretensiones estéticas y falsas intenciones. Dos de los fotógrafos más importantes de esta corriente fueron:

Lewis W. Hine

Considerado el padre de la fotografía social moderna, se hizo conocido por sus imágenes de los inmigrantes que llegaban a Ellis Island y por las que reflejaba las condiciones laborales de los EEUU de aquella época.

En 1908 comienza a hacer reportajes muy significativos, como el que realizó al servicio de la National Child Labour Commitee, denunciando  el trabajo de los menores. Gracias a ello consiguió que los legisladores prohibiesen la mano de obra infantil.



En los años 20 se producen avances tecnológicos importantes y Lewis quiso plasmarlos mediante la captación del hombre y la máquina trabajando juntos. La fotografía se pone así al servicio del progreso. Podemos ver un ejemplo de ello en la imagen de la derecha, realizada en 1920 y titulada Power.

Con esta idea, comenzó una serie fotográfica a la las que llamó Work Portraits. Fotografió el mundo laboral, pero esta vez no como denuncia de la explotación y las malas condiciones de la clase trabajadora, sino para exaltar la dignidad, y elogiar el esfuerzo  de los trabajadores norteamericanos.  
                                                                           
Esta idea alcanzan su máxima expresión en la serie fotográfica a la que llamó Men at Work, entre 1930 y 1931, destacando las fotografías realizadas sobre la construcción del Empire State La fotografía de los obreros sentados en una viga se hizo muy popular, seguro que la habéis visto en más de una ocasión.




Jacob Riis


Trabajó como reportero policial en el New York Tribune y el New York Evening Sun. Pronto entendió la necesidad e importancia de documentar gráficamente las noticias que publicaba sobre las miserables condiciones de vida en los barrios pobres de la ciudad de Nueva York.


Así, comienza a fotografiar y mostrar una visión muy dura de las familias que vivían en los guetos, plasmándolas a lo largo de sus series fotográficas. En 1890 publicó How the other half lives, que obtuvo rápidamente un gran éxito.



Posteiormente realizó otras como Children of the Poor (1982) Out of Mulberry Street (1898), The Battle With the Slum (1902) y Children of the Tenement (1903) que no superaron el éxito de su ópera prima.


En 1887, leyó sobre la invención de una técnica que consistía en iluminar una escena por medio de polvo de magnesio, convirtiéndose así en uno de los primeros fotógrafos en usar el flash. Esto le permitió mayores posibilidades en sus reportajes fotográficos, ya que una parte fundamental en la vida de los inmigrantes en esos guetos era la vida nocturna.

Así, Riis no solo logró formar parte de la historia del documentalismo social sino que además gracias a sus fotografías contribuyó a mejorar las condiciones de vida de los más vulnerables en toda la Unión Americana.

  • Fotoperiodismo

En 1880 aparece la primera fotografía representativa de un hecho en prensa, concretamente en el Daily Graphics de Nueva York. Poco a poco, el uso frecuente de la fotografía en la prensa dio lugar a la aparición de los primeros reporteros gráficos, cuyo objetivo era conseguir una foto clara y fácil de reproducir. así la fotografía se usa como instrumento para registrara hechos históricos. 


Roger Ferton, y Mathew Brady, a los que ya mencionamos en la anterior entrada, son considerados los pioneros del fotoperiodismo.


Roger Fenton

Estudió derecho pero abandonó su profesión de abogado para dedicarse a su verdadera pasión, la fotografía, Realizando sus primeras fotografías en 1852, a través del método de papel encerado que utilizaba Gustave le Grav.


En 1855 viajó hasta Crimea para cubrir la batalla que se estaba llevando a cabo, hecho por el que se le considera el primer reportero de Guerra. Su equipo fotográfico consistía en un carro empleado como cuarto oscuro tirado por 4 caballos, los productos químicos, unas 700 placas y 5 cámaras. 

Debido al largo tiempo de exposición que necesitaba para conseguir las imágenes no pudo acercarse al campo de batalla, pero sí pudo fotografiar el ambiente de los campamentos y los campos de batalla tras los enfrentamientos. 

A su regreso a Inglaterra, se trajo 300 negativos que pudo exponer tanto en Londres como en París. Pero la cruda realidad de la guerra no fue bien acogida por el público.






Mathew Brady
Ya había fotografiado soldados durante la guerra de México con EEUU (1846-1848), pero eran fotografías de estudio.



Entre 1930 y 1950, y gracias en parte a la aparición de la cámara comercial Leica de 35 mm, se produce la Edad dorada del fotoperiodismo, el cual progresa significativamente entre dos Guerras Mundiales.


Erich Salomon y la Candid Photography

Fue pionero del periodismo fotográfico moderno. De 1918 a 1925 trabajó para la editorial Ullstein y luego para la Berliner Illustrierte Zeitung, Fortune, New York Times.

Fotografía tribunales, conferencias internacionales, sesiones del Reichstag y en general a todas las personalidades más importantes de la época. 

Fue el padre de la fotografía cándida: Sus fotos por primera vez exhibieron a las personas (especialmente políticos) en actitudes espontáneas, sin posar. No utilizaba flash en interiores.



 

Sus postulados siguen vigentes:


- Búsqueda de la foto “única”.
- Necesidad de mantenerse siempre informado y anticiparse a los hechos.
- Paciencia para esperar el momento justo.
- Imaginación a la hora de superar las dificultades que se presenten y los plazos de cierre de las ediciones.

Toda su actividad como fotógrafo se desarrolló entre 1928 y 1933, año de ascenso de Hitler al poder.


Felix H. Man

Su nombre era Hans Baumann.

Fue dibujante y autor reportajes en los que se integraban textos e imágenes. Hizo más de 80 reportajes sólo para la Münchner Illustrierte Presse


jueves, 9 de octubre de 2014

Corrientes fotográficas II: del realismo al subjetivismo


  • La fotografía directa: realismo

La fotografía directa trata de construir una escena lo más realista y objetiva posible, evitando el uso o manipulación previa a la exposición (filtros, desenfoques...) y posterior a la exposición (retoque en el revelado o la impresión).
Uno de los principales fotógrafos de esta corriente fue Paul Strand.

En 1911 estableció su propio estudio y cinco años más tarde sus fotografías aparecieron en la revista Camera Work.

En 1933 comenzó a ejercer como director del departamento de fotografía de la Secretaría de Educación de México. 

Fue fundador junto con Berenice Abbot de la Photo League, una de las grandes asociaciones de fotógrafos que creían que se podía cambiar la sociedad a través de las imágenes. Utilizaban la imagen como arma de denuncia. Su escenario fue Nueva York y estuvo activa entre los años 1936 y 1951.                         
Su creación estuvo inspirada en la Asociación de Fotógrafos de Trabajadores Alemanes, creada en 1926. En un principio se llamó Film and Photo League.

Después de la Gran Depresión de 1929 vinieron años dramáticos y convulsos en los Estados Unidos, y los creadores de este colectivo se propusieron como objetivo documentar las condiciones de la clase trabajadora y servir de plataforma para  mejorar  su situación. 



En 1932 se fundó en California bajo la influencia de Paul Strand  el grupo f/64, compuesto por fotógrafos estadounidenses de la Costa Oeste. Lleva el nombre del diafragma más cerrado del objetivo fotográfico, que da como resultado una imagen de máxima nitidez. 

Defendían la fotografía directa, no manipulada. Sus fotografías se caracterizan por su gran realismo. Hablaban de la fotografía pura y se oponían al pictorialismo y a la experimentación de las vanguardias. 

Entre sus miembros más destacados se encontraban Edward Weston, Ansel Adams e Imogen Cunningham. 


Edward Weston


Aunque sus inicios se enmarcan en el pictorialismo, estando en México entre 1923 y 1926 destruye sus primeras fotografías y se inicia en la fotografía directa. 





Ansel Adanms

Tras su formación como pianista se dedicó a la fotografía. 

Nacido en San Francisco, adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país. Promocionado por Stieglitz, fue uno de los principales fotógrafos paisajistas norteamericanos




En 1940 colaboró con el departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En ese mismo año, creó un sistema para controlar y pre-visualizar los valores tonales de una imagen en función de los materiales sensibles, denominado sistema de zonas.



Creó el primer departamento de fotografía en la Escuela de Bellas Artes Decorativas de California.


Imogen Cunningham


Comenzó su trabajo como fotógrafa en 1901. En 1910 abrió su propio estudio de fotografía y rápidamente obtuvo reconocimiento por sus fotografías.



  • La experiencia subjetiva
Parte de la actitud y estudios de la Bauhaus para averiguar los límites del medio fotográfico.  
Adoptan y desarrollan el fotomontaje y experimentan con los efectos de la luz sobre materiales sensibles.

Los fotógrafos destacables de esta corriente son Man Ray y Laszlo Moholy-Nagy. 


Man Ray

En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. Compra su primera cámara con la idea de hacer reproducciones de sus cuadros. 

Cuando el surrealismo se separa del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus principales fundadores. 


Sus primeras obras experimentales son los Rayographs, de 1921. Se trataba de imágenes fotográficas abstractas obtenidas sin cámara, logradas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y después revelado.




Hizo uso de las siguientes técnicas:
  • Solarización: formación de una sombra en torno a una imagen expuesta a una fuente luminosa durante el proceso de revelado.
  • Granulación: acentuación de la grana de plata del medio fotosensible que da a la fotografía una textura irregular.
  • Reproducción en negativo: inversión de los tonos blancos y negros que dan a la imagen el aire irreal.
  • Distorsión: modificación de la realidad gracias a la inclinación del ampliador.
  • Proceso con relieve: efecto tridimensional que se logra colocando una diapositiva sobre un negativo ligeramente desplazado.

Laszlo Moholy-Nagy

En 1920 se instaló en Berlín, donde conoció a su esposa, Lucia Schulz, con quien trabajó en interesantes experimentos fotográficos.

Años más tarde, publicó la obra Pintura y Fotografía, Film.

Clasificaba a la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que veía en la fotografía un instrumento para la investigación y la exposición del fenómeno luz.

Parte de sus investigaciones se centraban en los "fotogramas": imagen que resulta de la incidencia de la luz en una superficie fotosensible y que es fijada para conservarla.

Elimina todo vestigio de tecnología: trabaja sin cámara y sin óptica. Solo utiliza la luz. Suele eliminar de la imagen resultante los elementos que la hagan reconocible. 

Las figuras resultantes son abstractas, no reflejan ninguna realidad y pueden ser vistas desde cualquier posición:


En 1937 viaja a Chicago donde creó la nueva Bauhaus.




Corrientes fotográficas I: del pictorialismo al purismo


  • Pictorialismo: la fotografía es el medio, el arte es el fin.

Se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del siglo XX a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, EEUU y Japón) 

Surge como movimiento reaccionario a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak. 

Fotografiaban paisajes, alegorías, retratos (principalmente de figuras femeninas)... usando agentes atmosféricos que no permitían que las imágenes fuesen nítidas. 

De forma deliberada no se enfoca, para provocar un efecto similar a la pintura impresionista, por este motivo al pictorialismo se le conoce también como fotografía impresionista. Además colocaban filtros, pantallas y demás utensilios y recurrían al juego de luces y sombras para impedir esa nitidez. 

También actuaban en la fase de revelado y en la de positivado de la imagen, empleando papel adecuado para su manipulación 

Utilizaron el término « impresión noble » para designar las fotografías a las que añadían carbón, bromóleo, goma bicromatada y otros pigmentos en las emulsiones, buscando hacer las fotografías similares al dibujo o grabado. 

Estas impresiones nobles, daban lugar a obras únicas, impidiendo la multiplicación de copias.  
Algunos fotógrafos pictorialistas fueron: 

Alfred Stieglitz

Fue el impulsor y principal representante de la corriente fotográfica pictorialista que promocionó desde la dirección del grupo Photo Secessión, desde 1990.
Empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas)

Después recurrió a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, encuadre. Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa (Straight Photography).

En 1902 fundó la revista Camera Work, primera del mundo en su estilo.

      


Edward Steichen

A los 16 años comenzó como fotógrafo y a las 21 se fue a París a estudiar pintura. 

Fue miembro de la Photo Secession. En 1905 se unió a Alfred Stieglitz y abrieron la galería 291. Además trabajó como fotógrafo jefe de las revistas Vanity Fair y Vogue.

Durante la II GM dirigió la sección de fotografía de la Marina de los EEUU. Fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) en 1947. 

En 1955 preparó la exposición fotográfica The Family of Man, que posteriormente dio la vuelta al mundo. La selección de las imágenes duró 3 años, mostrando 503 fotografías de 68 países y 273 fotógrafos.




En el 2006 se subastó en Nueva York The Pond- Moonlight (1904), cuyo valor ascendió a casi 3 millones de dólares, siendo hasta ese momento el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.



Oscar Gustav Rejlander

Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en los temas de alegoría, el mito, la historia...

Para la obtención de la obra final realiza bocetos previos y después retoca los negativos (montando, coloreando) de manera que no se nota el retoque.



Henry Peach Robinson

Vino a ser el apoyo teórico del movimiento pictorialista gracias a su obra Pictorial Effect in Photography (1869) 

En 1892 se crea The Linked Ring, una asociación de fotógrafos británicos, de enfoque pictorialista, que estaban en desacuerdo con el funcionamiento de la Sociedad fotográfica de Gran Bretaña.


Frederick H. Evans


Fue integrante del grupo Linked Ring. Comenzó a fotografiar conchas al microscopio, fascinado por el efecto decorativo conseguido. También fueron famosas sus vistas de interior de catedrales, publicadas en el cuarto número de Camera Work en 1903 por Stieglitz.





Robert Demanchy

Fundó el Photo Club de París y fue miembro del Linked Ring.

Destacó por las manipulaciones de sus obras proporcionándole un acabado similar a la pintura. Hacia 1894 perfeccionó la técnica de la impresión a la goma bicromada: el papel se bañaba con goma arábiga mezclada con un químico sensible que se endurecía al exponerse a la luz. La capa de goma se lava con agua dejando una impresión capaz de modificarse con diferentes instrumentos. Trató los negativos con tiza de color, para lograr efectos impresionistas. 

En 1888 fundó con Maurice Bucquet el Photo Club de París, en el que se mantenían los principios estéticos del pictorialismo, y poco a poco ese club se convirtió en un movimiento similar a The Linked Ring en el Reino Unido y a la Photo Secession en Estados Unidos

En 1895 fue elegido como miembro destacado de The Linked Ring.




En España destaca, entre otros, la obra de José Ortiz Echagüe, que se dedicó a capturar imágenes por toda la geografía española, desarrollando cuatro grandes series temáticas: España, tipos y trajes; España, pueblos y paisajes; España, mística y España, castillos y alcázares, cuya publicación supuso un gran éxito editorial. A éstas hay que añadir las series del norte de África y de retratos familiares.





  • Fotografía naturalista: purismo

Peter Henry Emerson


En 1889 publicó Naturalistic Photography, donde se presentaba la fotografía como un arte independiente.

Se oponía a todo artificio en la fotografía. Sostenía que no debía manipularse una imagen más allá de las variables del objeto o motivo, luz, encuadre y enfoque. 

En 1891 dio un importante cambio con The Death of Naturalistic Photography, obra en la que apoyaba la libertad para manipular las imágenes. 

En la reedición de su libro Naturalistic Photography de 1898 cambió el último capítulo La fotografía un arte pictórico, por La fotografía no es sólo arte.


Sus temas principales fueron: 


- Vida y paisaje en Norfolk Broads (1886) 
- Imágenes de la vida de los campos y pantanos (1887) 
- Escenas de la vida al Este de Inglaterra (1888) 

- Idilios de Norfolk Broads (1894)




Utilizó la técnica del fotograbado: una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y trasferirla a la placa de impresión


viernes, 3 de octubre de 2014

Primeros pasos de la fotografía


En 1851, Frederick Scott Archer introduce el colodium o placa húmeda. Se le denominó así porque la placa tenía que permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes.

Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano para preparar las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato. Tras el revelado se protegía la fina capa de colodión con un barniz. 

El colodión húmedo resultó un paso decisivo en el desarrollo de la fotografía, pues permitía la realización de instantáneas con un tiempo de exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo. Fue durante 30 años el procedimiento fotográfico más utilizado.

Autorretrato de Frederick Scott Archer

El procedimiento del colodión húmedo marcó el inicio de los denominados viajes fotográficos y de las primeras fotografías de guerra. 

En cuanto a viajes fotográficos Gustave Le Gray tuvo gran éxito por sus fotografías de paisajes marinos. El resultado final era una combinación de dos negativos donde cielo y oleaje, impresionados por separado, resultaban fundidos en perfecta armonía.




Por otra parte las primeras fotografías de guerra se le atribuyen a Roger Ferton, considerado el primer reportero de guerra. En 1854 cubrió la batalla de Crimea.





Otro fotógrafo que destacó con sus imágenes de la guerra fue Mathew Brady, que fue fotógrafo oficial de la Guerra de Secesión americana. En 1860 fotografió a Abraham Lincoln. Desde 1861 hasta 1865 fue cubriendo las mayores batallas junto a sus ayudantes
.



En 1962, Richard Maddox crea la placa fotográfica seca o de cristal, con gelatina y bromuro, que sustituirá al colodium en los años 80.



jueves, 2 de octubre de 2014

Nacimiento de la fotografía: los pioneros


  • José Nicéforo Niepce:

    El científico francés Niepce tomó las primeras fotografías en 1816, aunque solo se conservan a partir de 1826. En 1818,descubrió la heliografía. La imagen era producida por la luz sobre el papel recubierto de cloruro de plata mediante la utilización de la cámara oscura, lo que requería una exposición muy prolongada y daba como resultado imágenes en positivo sin posibilidad de producción.

    En 1826 consigue obtener la primera fotografía de la historia, titulada Punto de vista desde la ventana de Gras.


  • Louis Daguerre:

    Fue el descubridor y fundador del diorama y el daguerrotipo.
    El diorama supuso una gran aportación al mundo del teatro. se trataba de elementos de tres dimensiones que, colocados sobre una superficie curva con buena iluminación, emulaban paisajes reales, acontecimientos históricos etc. que prácticamente podían tocarse.


                                                                    Diorama

    En 1829 se asocia con Niépce y a la muerte de éste sigue sus investigaciones y patenta el daguerrotipo, en 1839. El daguerrotipo requería un largo tiempo de exposición, y daba una imagen única en positivo. 

    En 1838 obtuvo la conocida vista titulada Boulevard du Temple, con una exposición de 10 minutos aproximadamente.



  • Henry W.Fox Talbot:

    En 1941, inventa el calotipo que es más barato y reduce el tiempo de exposición notablemente. Gracias a esto se puede obtener el negativo mediante hiposulfitos de sodio, lo que posibilita la realización de múltiples copias. Pronto desplazaría al daguerrotipo.
    A partir de este momento nace propiamente la fotografía como tal y conceptos como positivo o negativo.
    En 1944 publica El lápiz de la naturaleza, el primer libro con fotos.

                                                           Calotipo de 1842